Как понимать современное искусство. Как понять современное искусство

Фотографии взяты из видеообзора Каннского репортажа. Вы можете посмотреть видео здесь. И другие потенциальные клиенты, просто любители искусства, которые мечтают приобрести стол для своей современной гостиной, бизнес-центра, кофейни или просто в подарок.

Деформированная реальность художников XX века: как научиться понимать современное искусство

Почему современное искусство нарушает правила и нормы веков? Как научиться видеть смысл в двух штрихах на помятом холсте или легком предмете? И почему растет спрос на эти противоречивые произведения искусства, хотя их цена оценивается в десятки миллионов долларов? Лектор МГУ Инна Мурашева рассказала о закодированном значении современного искусства и о том, почему оно не красиво.

История МА АРТ, преподаватель МГУ

Современное искусство: эмоции и факты

На протяжении веков художники работали над моделями эстетики и гармонии. Вопрос красоты был основным критерием для признания художественной ценности произведения искусства. Позже к этому добавился вопрос подлинности. Художники и критики стали выступать против примата красоты и истины в искусстве. Но после Первой мировой войны — в масштабах потерь и катастроф — реальность исказилась.

Эта метафизическая боль четко отражена во всем искусстве 20-го века. Человеческие существа — это ничто. Запертый в клетке собственной плотью, деформированный, растворенный и раздавленный обстоятельствами. Эта идея прямо противоположна идее Ренессанса, согласно которой человек был центром Вселенной, венцом творения, hemitheus. Яркими выразителями искаженного представления о реальности в 20 веке были представители новаторских движений — Лондонской школы (Фрэнсис Бэкон, Люциан Фрейд), дадаизма (Ханс Арп, Марсель Джанко, Ман Рэй), Сальвадор Дали, Макс Эрнст): ее предшественниками, вероятно, были 15-е сюрреалиста века Иеронима Босха ((1450-1516), который рисовал фантастические образы из глубин подсознания.

Однако понятие «современное искусство» — modern art — появилось только в 1970-х годах. Мнения теоретиков по этому поводу расходятся, но в данном случае можно сослаться на авторитет представителей крупнейших аукционов. Например, Sotheby’s определяет произведения искусства с 1945 по 1970 год как «ранний модерн», а с 1970 года и далее — как «современный». Такое же определение использует аукционный дом Christie’s, который относит более ранние работы 1950-х и 1960-х годов к категории «искусство 20 века».

Этот культурный феномен не нужно «разбивать» на направления. Такой подход убивает спонтанность и играет со зрителем, делая современное искусство привлекательным. Она многоуровневая, имеет серьезную подоплеку и открыта для эмоционального восприятия людей с любым уровнем подготовки, общего образования и эстетического развития.

Потому что его восприятие зависит не от набора знаний, а от эмоциональной открытости.

Фрэнсис Бэкон.

Важна концепция, а не объект

‘Черный квадрат’ стал символом нигилистического отрицания культурного наследия — веса, который набрало человечество’, — сказал Казимир Малевич, создатель одноименной картины, который своим творчеством и творчеством обнулил историю живописи. Согласно представлениям эпохи Возрождения, это изображение было окном в мир, отражалось в пейзажах, портретах и статичной повседневной жизни — отображение реальности. Так закончилась предыдущая и началась новая эра искусства. Я рад, что вырвался из тюрьмы научных исследований», — сказал он. Художник настаивал на том, что его танец является творческим только в том случае, если его форма не имеет ничего общего с природой.

Когда я открыл принцип redi-mades, мне захотелось положить конец всему этому эстетическому карнавалу. Но нео-дендисты используют реди-мейды, пытаясь найти их эстетическую ценность. Марсель Дюшан, современник Малевича, прокомментировал реакцию публики на его выставку. «Сушилка для бутылок» и «Фонтан» (писсуары, подписанные Р. Маттом)».

С тех пор было много сказано о том, как писсуар Душаба стал важным событием на мировой художественной сцене, навсегда изменив ее, а сама «работа» признана одним из самых захватывающих и сложных произведений духовного искусства 20-го века. Почему; потому что в данном случае важна не цель, а идеи и концепции. Их дает Душаб, который вырывает обыденное из контекста и заявляет, что это тоже искусство. В своем творческом заявлении он сказал, что все может быть искусством — мы не должны относиться к этому слишком серьезно. И он пошел дальше Малевича.

Представители современного искусства — двигаясь под знаменем Малевича и Дюшана — продолжают искать новые формы искусства, новые визуальные языки, проникать в реальность, экспериментировать и вдохновлять своим творчеством других. Среди них Лучио Фонтана, Жан-Мишель Баския, Кит Харинг и Дэмиен Херст.

Марсель Дюшан.

Современное искусство постоянно развивается, а значит, учится. Нельзя ожидать, что вы узнаете все за два месяца или даже за два года.

А где смысл?

Теперь давайте разберем этот вопрос подробнее. Говорят, что произведение полно идей и философских мыслей, но невозможно определить, какие именно, и объяснить, какая философия за ними стоит. Или она не была помещена туда изначально? Возможно, это не проект, но в лучшем случае это большая щетка или осевшая грязь. В худшем случае это может быть элементарная краска, нанесенная пальцами или рукой. В лучшем случае руками, но есть примеры, когда вы можете использовать свои ноги и, позвольте, ягодицы… Но любая часть тела. А еще есть ужастики, которые привлекают внимание к своей работе, создавая «шедевры» из знакомых частей тела … (в интернете можно найти множество примеров такой работы)

Но хотя многие скажут, что неважно, что было создано, важно то, что в итоге получилось. Может быть, я согласен, но как и что — не имеет значения. Некоторые люди вместо краски используют собственную кровь или пепел.

Многие люди находят философию почти в каждом представленном «шедевре». Главное, говорят авторы, что это сложное произведение искусства, и вскоре будут найдены новые идеи. Однако эту философию можно найти и в отсутствие этого белого листа на небе. Философию можно найти где угодно, в небе, и обосновать все.

Все мы часто смотрим на свои потолки и стены перед сном и думаем о том, что из пятен на стенах можно создать целую книгу. ‘Я стоял перед этим изображением полчаса и стал смотреть на бесконечную вселенную космоса. Но если вы посадите человека перед белой стеной и заставите его смотреть на нее в течение двух часов, ждите. Он обязательно начнет видеть там сцены всей сути мироздания, прошлого, будущего и т.д. Это продукт человеческого воображения, это не значит, что эта стена уникально расписана неизвестно кем, гениальным художником. Это обычная стена, исписанная каким-то образом.

Отличается ли «современное искусство» SO -Caled, покрытое плесенью уже более века, от этой самой белой стены в человеческом восприятии? Нет!!! Разницы нет! Человек видит на полотне то, что хочет видеть, а не то, что показывает ему художник. Там может быть шедевр, или это может быть самая обычная картина, сделанная левой ногой.

«Элитарное искусство»

Пойдите и вспомните часто упоминаемый термин «элитарное искусство». Это было проклятием академического искусства много веков назад. Говорят, что она настолько элитарна, что недоступна для всех. Мы поняли!!! Мы начинаем! Самый популярный лозунг сегодня — «искусство для масс»! Давайте рассмотрим подробнее, что происходит на самом деле.

Происходит самый распространенный тип подмены понятий и смыслов. Сегодня они любят менять понятия и смыслы, еще больше запутывая людей, сбивая их с толку ради прибыли и собственного комфорта.

Что означал термин «элитарное искусство» раньше? Столетия назад термин «элитарность» означал способности художника и уровень контроля над материалом. Потребовались десятилетия, чтобы научиться создавать таблицы. Люди потратили полжизни, прежде чем это стало смыслом их жизни. Однако сам проект был максимально доступным. Таким образом, педагоги годами учатся исполнять что-то красивое, прекрасное и понятное для всех с каким-то прикосновением, независимо от знаний аудитории. Даже ублюдки на улице могли оценить такую работу.

Что вы подразумеваете под термином «элитарное искусство»? Это очень просто, замените все и получите ответ. Сегодня каждый может стать учителем. Все, что вам нужно сделать, это нарисовать или намазать им лучше ягодицы и нарисовать выпуклую ягодицу на листе бумаги. Главное — не забыть пнуть друзей своим iPhone, заснять все происходящее и выложить в Instagram. Это готовый шедевр, художник популярен, и люди ценят попсу. Рецепт очень простой и понятный. Любой человек может стать учителем за пять минут. Вам не нужен ученый в области композиции, цветоведения, анатомии или многолетние исследования. В конце концов, самые ценные творения в наши дни — это наивные детские рисунки.

И что означают эти шедевры? Нет… Быть честным и тайным, но не говорить об этом … На самом деле, если публика не имеет представления о смысле, она не может уловить размер идеи, а это значит, что серая масса просто умна, потому что писатель такой крутой и умный. Более поздние могут понять это спустя годы.

Теперь вы не можете сказать, что писатель разводит грязь, что он остается глупым и сектантским под предлогом «элитарного искусства» для всех нас. Теперь вы должны сказать, что я еще недостаточно большой, чтобы понять.

Суть парадокса

В этом и заключается парадокс. Искусство стало ближе к людям, доступным для творчества и в то же время очень далеким от понимания. Но невозможно определить, кто создает определенные художественные вещи, а кто делает глупую рекламу скандалам и обнаженным телам.

Искусство нужно понимать без объяснений, особенно комментарии искусствоведов. В конце концов, они, искусствоведы, могут создавать шедевры из чего угодно. Как учителя рисования, они могут научить нас этой конфиденциальности, но ССС, никто … Но нас интересует реальная стоимость той или иной работы. Поэтому для настоящего искусства достаточно названия. Как минимум, должно быть описание, объясняющее мифы, которыми руководствуется работа. Или опишите место, описанное автором. Или говорит о человеке, изображенном на ней. Это тоже не всегда необходимо, но самого проекта достаточно и без названия.

Теперь все они описывают историка, что писатель ел перед этим, что курил, как провел ночь, с чем встал утром, что почувствовал, когда сделал первое прикосновение, и что именно повлияло на писателя, на выбранную им тему… Ну, К. Что чувствовал писатель, что он ел и как провел ночь накануне, каким он его запомнил… Мы должны увидеть все это во время операции и понять только после просмотра фотографий и шоу. Если вам нужны дополнительные пояснения, оставьте текст в истории искусств, так как над ним нужно поработать. Текст уже сам по себе красив и ярок.

— И если вы считаете, что современное искусство очень сложное и переоцененное, а «Черный квадрат» не лучше детской раскраски, как вы можете убедить меня в этом?

Джефф Кунс. «Собака из воздушных шаров (оранжевая)»

$58,4 млн (~4,4 млрд руб.)

Американский скульптор Джефф Кунс начал свою карьеру как сотрудник МОМА (Музей современного искусства, штат Нью-Йорк), где он работал в рациональном отделе и собирал деньги на выставочную деятельность музея. Будучи заинтересованным в росте, Кунс приносил музею более 3 миллионов долларов в год. Он был столь же успешен в своем искусстве. Его знаменитые стальные скульптуры с воздушными шарами поражают своими размерами (более трех метров) и весом (до одной тонны). Работы Кунса живые, увлекательные и имеют уникальный подход к материалам. Удовлетворяя желания масс, коллекционеров и критиков, Кунс создает китч-арт.

Orange Dog — самая дорогая из серии пяти красочных скульптур, вдохновленных знаменитым портретом Мэрилин Монро работы Энди Уорхола. Кунс также включает других надувных животных, таких как обезьяны, цветы, змеи и кролики.

Дэмьен Хёрст. «Королевство»

$14,4 млн (~1,6 млрд руб.)

Дэмиен Херст — еще один современный художник, который использует животный мир в качестве основы для своих работ (но в отличие от Ку, в несколько более мрачном ключе). Он прославился серией растений с плюшевыми животными в формальдегиде. Художник выставляет на позор коров и телят, овец, зебр и даже фальшивых единорогов.

Самой дорогой работой из этой серии стало «Королевство» — помещённая в формальдегид акула. На создание произведения молодой художник потратил около 10 000 фунтов стерлингов (~400 000 руб.). Помещая акулу из естественной среды обитания в пространство галереи, художник хотел столкнуть зрителя с его персональными страхами, прежде всего со страхом смерти. Такой дерзкий подход не мог остаться незамеченным: работа Хёрста стала знаковой в современной истории искусств, что и повлияло на её стоимость.

Джорджия О’Киф. «Дурман»

$44,4 млн (~3,3 млрд руб.)

В 2014 году самым дорогим произведением женского искусства стала картина американской художницы Джорджии О’Киф «Дурь». Они знакомы поклонникам телесериала Breaking Bad. В третьем сезоне Джесси и Джейн посещают музей Джорджии О’Кифф в Санта-Фе, чтобы изучить абстрактную работу «Моя последняя дверь».

Однако художница прославилась не своими абстрактными изображениями, а атмосферными и визуально насыщенными полотнами. Сама художница говорила, что цветы — идеальные «модели» для ее картин. Они неприхотливы, тихи и гораздо дешевле живых моделей.

При жизни Джорджия О’Кифф стала самой дорогой американской художницей и иконой женского движения. В 1940-х годах ретроспективные выставки прошли в знаменитом Американском музее, Художественном институте Чикаго и Музее американского искусства Уитни. Ранее этого значения могли достичь только художники-мужчины.

Понять, почему проект заслуживает внимания, помогает знание его контекста. Например, художник первым увидел мир по-другому и изобрел свою уникальную технику — с этого момента видение художника становится частью истории искусства, а честь его работы вывешивается.

Так было с картиной Джексона Поллока «Всплеск». В пропорции с Джеком Антибалтис вышел на поле, раскрасив Ротко в цвета прозвища Джека Дриппера и молнии или метки Барнетта Ньюмана.

Если вы обнаружили ошибку, выделите текст и нажмите Ctrl+Enter.

Рассказывают новые искусствоведы: Александра Старусева-Першеева, Антон Дежурко, Мария Калинина.Все, что вам нужно знать об основных этапах эволюции искусства, начиная с Античности (Древней Греции и Рима) до начала XX века, скульптура, живопись, графика и архитектура. Он очень хорошо знает кадр. Например, художник первым увидел мир по-другому и изобрел свою уникальную технику — с этого момента видение художника стало частью истории искусства, и честь его работы вывешивается.